Tableaux terrifiants: sept experts dévoilent les œuvres d’art qui les hantent

À l’approche d’Halloween, nous avons demandé à sept de nos experts universitaires de nous parler de l’œuvre d’art la plus dérangeante qu’ils aient jamais rencontrée. Des portraits macabres aux créatures inquiétantes, voici les peintures qui les ont marqués bien après leur première rencontre.

L’Enterrement Précipité par Antoine Wiertz (1854)

Peu de choses sont aussi effrayantes que l’idée d’être enterré vivant. Dans le tableau d’Antoine Wiertz, une victime du choléra, présumée morte, se réveille dans la crypte. En soulevant le couvercle de son cercueil, il aperçoit un crâne humain dans la pénombre. Une araignée se précipite vers le couvercle ouvert, tandis qu’un rat s’infiltre dans un cercueil voisin. Son visage se tord d’horreur lorsqu’il réalise qu’il s’est réveillé dans un cauchemar pire que la mort.

Au XVIIIe et XIXe siècle en Europe, la peur d’être enterré vivant était omniprésente et, bien que moins fréquente que ce que les gens imaginaient, cette angoisse n’était pas totalement infondée. Pendant les épidémies, les corps étaient souvent enterrés à la hâte et il existait peu de techniques fiables pour confirmer la mort.

Pour se prémunir contre la terrifiante possibilité d’une inhumation prématurée, certains demandaient que leurs artères soient coupées ou que leurs têtes soient tranchées avant d’être enterrés. La mort instantanée était préférée à l’horreur d’un enterrement vivant, que Wiertz a si effroyablement représenté.

Chloe Ward, maître de conférences en histoire de l’art britannique, Queen Mary University of London

Judith décapitant Holopherne par Artemisia Gentileschi (1620)

L’impact viscéral de cette peinture est accentué par sa composition. Nos yeux sont captivés par la tête partiellement tranchée d’Holopherne qui lutte encore.

L’histoire est tirée du Livre de Judith, inclus dans les bibles catholiques et orthodoxes orientales. Pour sauver sa ville de ce général assyrien, Judith s’est avancée pour le séduire et l’assassiner, aidée par sa servante Abra.

Les vives couleurs jaune et bleu des robes des femmes et le rouge du lit d’Holopherne contrastent avec l’arrière-plan en clair-obscur. Cela donne à l’œuvre une intensité claustrophobique. Gentileschi a peint ce sujet à deux reprises, mais c’est sa version de 1620 qui est considérée comme la plus puissante.

Dans celle-ci, elle a représenté le sang jaillissant en parabole des plaies d’Holopherne, éclaboussant les bras de Judith. Pourtant, c’est la détermination implacable de Judith et les agonies de la mort de sa victime qui, pour moi, transportent le spectateur dans le moment privé d’un meurtre atroce.

Pippa Catterall, professeure d’histoire et de politique, University of Westminster

Saturne dévorant son fils par Francisco Goya (1820-23)

Peinte après les guerres napoléoniennes et pendant la révolution espagnole de 1820-23, cette image cauchemardesque est la plus puissante des 14 « peintures noires » du peintre espagnol Francisco Goya.

Elle représente Saturne (ou Cronos dans la mythologie grecque) mangeant l’un de ses enfants pour empêcher une prophétie selon laquelle l’un d’eux le renverserait, combinant de manière macabre les tabous du cannibalisme et du filicide (tuer son propre enfant). L’arrière-plan purement noir oblige le spectateur à se concentrer sur le cadavre démembré, le corps étrangement angulaire de Saturne et la folie dans ses yeux.

Le titre n’était pas de Goya, et l’idée que ce soit une scène mythologique lointaine ou une allégorie du temps détruisant la jeunesse peut être des tentatives pour nous distancer de sa signification plus sombre.

Sous ces efforts, cette peinture dépeint sans fard la cruauté du pouvoir, l’envie de détruire des rivaux, les vieux exploitant les jeunes. Deux siècles plus tard, elle reste une représentation glaçante des instincts humains bruts lorsque le masque de la civilisation est arraché.

Karl Bell, professeur associé d’histoire culturelle et sociale, University of Portsmouth

Trois études pour des figures au pied d’une crucifixion par Francis Bacon (1944)

Des formes biologiques charnues aux cous étirés comme des anguilles se tordent dans un espace orange. Elles sont aveugles, mais deux d’entre elles ont la bouche ouverte garnie de dents : l’une gronde, l’autre crie. Elles sont à la fois humaines et non humaines.

Ces créatures abjectes sont l’œuvre de l’artiste irlando-britannique Francis Bacon dans son œuvre Trois études pour des figures au pied d’une crucifixion (1944). L’artiste a complété le triptyque en deux semaines, alimenté par l’alcool et les gueules de bois.

Les figures sont censées représenter les anciennes furies grecques : des divinités de la vengeance venues du monde souterrain. La date d’exposition de l’œuvre est poignante : elle a été présentée au public dans les derniers jours de la Seconde Guerre mondiale en Europe. La terreur jaillit de ces peintures : elles sont à la fois un rappel viscéral de notre mortalité et de notre matérialité corporelle, et une expression des horreurs que les humains ont infligées les uns aux autres. Et nous ne pouvons pas détourner le regard.

Daisy Dixon, maître de conférences en philosophie, Université de Cardiff

Exécution par le canon dans l’Inde britannique par Vassily Vereshchagin (1884)

Cette peinture du peintre russe Vassily Vereshchagin montre l’exécution d’un groupe de rebelles, les Kukas, après une révolte à Malerkotla, Punjab, en 1872. Les Britanniques ont réagi sévèrement, exécutant les Kukas en les attachant à des canons qui étaient ensuite tirés.

Il n’y a aucune indication que Vereshchagin ait été témoin de l’événement Kuka lui-même. Il avait probablement vu des illustrations de la rébellion indienne de 1857, avec des compositions similaires.

Cette peinture a été exposée à la Grosvenor Gallery de Londres dans le cadre d’une trilogie montrant des méthodes d’exécution dans différentes parties du monde. Ce cadre est dérangeant, du moins pour moi – plaçant la scène brutale en combinaison avec la mission détachée, quasi ethnographique. Il y a une autre dimension inquiétante : la tension entre la peinture comme une déclaration contre la violence coloniale ou comme un morceau de propagande politique ciblant la règle de l’empire britannique.

La peinture originale, conservée à l’Université de Californie à Berkeley, a été détruite en raison de dégâts des eaux vers 1950. Une photogravure en niveaux de gris de l’œuvre existe toujours, tout comme un croquis en couleur, désormais exposé au Musée russe de Saint-Pétersbourg.

Åsa Harvard Maare, maître de conférences en communication visuelle, Université de Malmö

L’Araignée par Odilon Redon (1881)

Imaginez une araignée géante à dix pattes avec un visage humain souriant émergeant de l’ombre dans un coin de votre chambre. L’artiste français Odilon Redon a créé cette créature anthropomorphe cauchemardesque en grande partie de son imagination, mais a également été inspiré par l’expérience de l’observation de la nature au microscope.

Mélancolique et introspectif dès l’enfance, il a été initié au monde des insectes par le botaniste Armand Clavaud. L’imagination de Redon a également été alimentée par la littérature décadente telle que Les Fleurs du mal (1857) de Charles Baudelaire ou le poème gothique Le Corbeau (1845) d’Edgar Allan Poe.

Travaillant principalement au fusain et en lithographie, il a été inspiré pour produire toute une série d’images en noir et blanc – des créatures monstrueuses et des yeux géants flottants – qui exprimaient ses peurs subconscientes. Connues sous le nom de ses « Noirs », elles évoquaient son obsession pour les visions terrifiantes et cauchemardesques invisibles le jour. L’écrivain Joris Karl Huysmans les a définies comme : « Un nouveau type de fantaisie, né de la maladie et du délire. »

Frances Fowle, professeure émérite d’art du XIXe siècle, Université d’Édimbourg

Catastrophes et contes de fées par Cindy Sherman (années 1980)

L’artiste Cindy Sherman utilise son propre corps comme toile vierge pour son art : elle se déguise avec du maquillage, des prothèses, des perruques et des costumes et photographie les résultats sur des décors soigneusement mis en scène. Les images résultantes sont souvent volontairement perturbantes.

Dans sa série Catastrophes et contes de fées des années 1980, elle a incarné une série de personnages issus de films d’horreur et de folklore cauchemardesque. L’image que je trouve la plus difficile à regarder n’est pas la plus sanglante ou la plus grotesque, mais Untitled #165 (1986), où une créature hybride, mi-humaine, mi-animale dans une robe à carreaux se cache timidement derrière un arbre.

Que veut-elle ? Est-elle malveillante ou simplement solitaire ? Cette créature semble incarner les choses sombres que nous ne voulons pas reconnaître dans notre psyché, que nous repoussons, mais qui persistent aux marges de notre conscience. Comme l’implique l’autoportrait de Sherman, ces choses cauchemardesques ne sont pas des monstres venus d’ailleurs, mais des versions de nous-mêmes.

Catherine Spooner, professeure de littérature et de culture, Université de Lancaster

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